NEO NUEVA YORK

Comisariado por Atelier Las Amazonas

Elliot Purse | Jeremy Olson | Jordan Doner | Krista Louise Smith | Zachary Lank

YUSTO / GINER presenta, en nuestro espacio en Madrid, la exposición colectiva Neo-Nueva York de los artistas Elliot Purse, Jeremy Olson, Jordan Doner, Krista Louise Smith y Zachary Lank, comisariada por Atelier Las Amazonas.

Yusto / Giner se complace de presentar Neo-Nueva York, una trasatlántica exposición grupal que explora el impulso evolutivo de la cultura visual contemporánea de Nueva York.

¿Cómo será el siguiente capítulo de la escena artística neoyorkina—y quién la escribirá?

Neo-Nueva York busca responder a esta pregunta a través de cinco artistas cuyos trabajos reflejan la implacable energía, el hibridismo cultural y las inquietudes artísticas de la ciudad. La exposición había nacido de un momento de calma: Después de tres años inmersa en el mundo del arte de Nueva York, la joven dueña de la galeria Clío Giner retorna a Madrid con una pregunta haciéndole eco todavía—¿Hay una nueva escuela artística en Nueva York?

Clío se puso en contacto con el curador Atelier Las Amazonas, quien reunió a un grupo de artistas residentes de Nueva York para desarrollar este concepto. Juntos, sus obras ofrecen más que una instantánea—ellos muestran una visión de una ciudad en transformación. Neo-Nueva York captura el “ahora” de Nueva York: desordenada, magnética y moviéndose demasiado rápido como ponerle “ismos”. La exposición invita al público madrileño a ver el lenguaje creativo de la ciudad a través de una nueva perspectiva—una que dista lo suficiente para agudizar la vista y, aun así, intimida lo justo para sentir la energía en el aire.

Al sacar estas obras de su contexto original y situarlas en un marco europeo, Neo-Nueva York se convierte tanto en un espejo como en una lupa—examinando cómo las prácticas artísticas nacidas en una metrópolis resuenan en otra, y cómo la traducción cultural las transforma en imagen y significado.

ELLIOT PURSE

Los dibujos a gran escala de Purse con carbón surgen de una revisión de su fascinación infantil por la lucha libre, explorando el contraste entre la glorificación de la fuerza bruta en este deporte y la fragilidad del carbón sobre papel. Obras como Bust III (2019) y Limbs II (2023) evocan un fotorealismo en blanco y negro desde la distancia, pero revelan un trazo suelto e intuitivo al observarlas de cerca. Más adelante, Purse superpone estudios materiales —como las texturas del mármol de Carrara— sobre cuerpos hiper-musculados inspirados en la cultura del culturismo y la lucha libre, como puede verse en piezas como Toppled (2023) y Marble Fragment (2022).

KRISTA LOUISE SMITH

La obra de Smith existe en un estado dual, funcionando simultáneamente como retrato y paisaje sin asentarse completamente en ninguno de los dos. Piezas como Baby Blue Sea (2024) y Halo (2024) expresan su yo femenino interior y, al mismo tiempo, evocan los cielos expansivos del suroeste estadounidense, manteniendo una presencia no abstracta pero atmosférica. Sus obras sugieren una intimidad silenciosa —como un susurro en una habitación ruidosa—, priorizando la cercanía emocional sobre la expresión performativa. A menudo dibuja in situ con pastel al atardecer, sumergiéndose en el paisaje y evocando la influencia de O’Keeﬀe. En Platform 2 y Platform 4 (2024), los marcos hechos a mano y teñidos del mismo color que las pinturas anclan las composiciones etéreas en una forma física.

ZACHARY LANK

Lank estudió conscientemente técnicas del arte comercial, sintiéndose atraído por la ya arcaica y a menudo despreciada práctica de la ilustración. Originario de la región de los Apalaches, cita como influencias a Howard Pyle, Winslow Homer y Andrew Wyeth. Obras como Doppelganger, Firestarter y Hangup (todas de 2025) combinan el lenguaje visual de la pintura de la Escuela del Río Hudson, el arte del siglo XIX de los Apalaches, el espacio surrealista y la mirada crítica de artistas como Jim Shaw y Mike Kelley. Tras una conversación inicial, Lank reveló que su obra está moldeada por el asesinato de su abuelo, con el objetivo de procesar, conmemorar e incluso aportar humor a ese trauma. A lo largo de su producción, aparecen herramientas y símbolos reconocibles de la vida en los Apalaches—sin embargo, la figura humana está siempre ausente, haciendo de ese vacío el centro emocional y visual de sus composiciones.

JEREMY OLSON

Las pinturas de Olson—paisajes, retratos y bodegones—se basan en ficciones creadas digitalmente por él mismo, influenciadas por su formación en arte comercial. Obras como Icon, Late Harbinger, Replacement Omen y Soloist (2024) muestran naturalezas muertas digitales a escala humana, que evocan bustos clásicos fragmentados con ecos de Dubuﬀet, Boccioni y Oldenburg. Estas piezas habitan espacios domésticos especulativos e híbridos, poblados por figuras humanoides-reptilianas, en referencia al “body horror” de Cronenberg y en exploración de las implicaciones inquietantes de la biotecnología y la autoconstrucción en interiores familiares, pero de apariencia alienígena.

JORDAN DONER

La serie “faux master drawing” de Doner, iniciada en 2020, se basa en su trayectoria en la fotografía comercial y hace referencia a artistas rococó y góticos como Boucher, Watteau y Schongauer, fusionando la estética clásica con una imaginería contemporánea de baja fidelidad y corte neo-pastoral, como CGI de manga o fotogramas de películas serie B. Realizadas en carboncillo y pastel, estas obras imitan el acabado pulido de los productos comerciales. Para Neo Nueva York, Doner incorpora herramientas digitales y referencias inspiradas en la astronomía, explorando la intimidad tanto con sujetos animales como con artistas históricos. Obras como Fruit Bat Study I & II y Gang of Four via Kirchner’s Berlin Street Scene escalan la naturaleza a proporciones humanas, fusionando imágenes de murciélagos frugívoros con la paleta expresionista de Kirchner en un ejercicio creativo comparable a la reinvención cíclica de la moda.

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